La célèbre séquence d’ouverture de “Up” était à l’origine très différente

Quand il s’agit de savoir quel film Pixar est garanti pour vous faire sangloter comme si les cinéastes avaient personnellement visité votre maison et vous avaient personnellement déchiré la poitrine, les options ne manquent pas. Après tout, le studio d’animation s’est fait un nom exalté à travers des moments nuancés d’une émotion inoubliable. Pour la plupart, cependant, la réponse à “Quel film Pixar vous détruit le plus?” n’est probablement pas un film mais une seule séquence : les dix premières minutes de En haut. La simple lecture de cette phrase peut provoquer une réaction de combat ou de fuite chez certains lecteurs : “Non”, crient-ils en s’enfuyant. « S’il vous plaît, tout sauf En haut!

Évidemment, c’est une légère exagération, mais dire que ces dix minutes ont marqué un changement dans le paysage cinématographique est un euphémisme. Peu étaient préparés à une histoire dans une histoire si puissante que la simple évocation de son titre se double d’une détonation émotionnelle. La nostalgie applique souvent des lunettes teintées de rose aux médias bien-aimés, mais En haut possède simplement l’un des meilleurs plans thématiques à travers l’arc de n’importe quel film, animé ou en direct. Quatorze ans après sa sortie en 2009, le réalisateur Pete Docteur reflété dans une interview détaillée avec La sonnerie que c’est “assez fou de penser que quelque chose que nous avons créé pour expliquer quelque chose d’autre affecte toujours les gens comme ça !”

C’est vraiment sauvage et un témoignage de la puissance de l’art. Il est également surprenant d’apprendre pourquoi un tel prologue universellement aimé et loué a vu le jour : parce que les cinéastes avaient besoin de décharger des informations. Karl (Ed Asner), le personnage principal avare et veuf en deuil, avait besoin que sa motivation soit établie et que son histoire soit introduite. De même, et surtout, le public devait se soucier de Carl. S’ils n’étaient pas émotionnellement investis avant le début de son voyage, alors En haut était mort à son arrivée. Le docteur et son équipe ont fait face à une mission apparemment impossible : comment ont-ils pu distiller rapidement l’équivalent d’une vie d’informations de manière à ce que les téléspectateurs s’en donnent à cœur joie ? Le résultat est historique, mais le voyage vers ladite pierre de touche culturelle est tout aussi fascinant.

En haut Le réalisateur Pete Doctor savait qu’il y avait beaucoup de terrain à couvrir sur le passé de Carl pour bien préparer son avenir. En conséquence, son équipe Pixar a “écrasé” une abondance de matériel qu’ils ont découpé en deux parties : Carl et Ellie (exprimé par la fille du docteur) chargés de dialogues rencontrent mignon et le montage de film muet “Married Life” (du nom du compositeur maestro de Michael Giacchino piste primée aux Oscars).

Malgré sa durée de dix minutes, “Married Life” est suffisamment robuste pour exister en tant que court métrage indépendant. Deux personnes apparemment dépareillées mais parfaitement appariées se rencontrent lorsqu’elles sont enfants, tombent amoureuses, se marient et partagent une vie ensemble jusqu’à ce que l’inévitabilité de la perte transforme un partenariat en solitude. Non seulement Carl pleure le décès d’Ellie dans une solennité auto-imposée, mais le regret propulse chacune de ses actions – le regret pour les aventures qu’ils n’ont pas vécues en couple autant que toutes les merveilles qu’Ellie n’a jamais vues. Doctor a abordé cet énoncé de thèse narrative avec le même détail minutieux requis pour un long métrage. Selon Doctor, “Nous avons trouvé la meilleure façon de faire comprendre au public – et se soucier– serait de connecter la maison (de Carl) à une relation et à une affaire inachevée. Nous avons travaillé dur pour entraîner visuellement le public à associer la maison à sa femme et à la promesse non tenue d’une aventure en Amérique du Sud.

Mais le visuel d’une maison n’est pas une maison à moins qu’il n’ait gagné cette gravité émotionnelle. L’équipe a utilisé chaque mise en scène technique dans le livre pour ancrer “Married Life” dans le pathos : inclure Ellie et lier sa personnalité à des couleurs vives, le manque de dialogue, l’éclairage, le timing du mouvement de la caméra, etc. Par exemple, le dernier effet sonore entendu avant le Le montage commence par la pop du ballon du jeune Carl (sur lequel il s’appuie en s’évanouissant au-dessus d’Ellie) fusionnant avec la pop d’un appareil photo à ampoule pendant leur mariage. Fabrication En hautc’est l’ouverture rappelant un film muet n’était pas le plan initial, mais après les encouragements de Ronnie del Carmen, En hautL’artiste du storyboard, Doctor a décidé de supprimer le dialogue déjà scénarisé. “Étant (un) fan de films muets”, a-t-il expliqué, “j’ai continué à pousser pour voir combien nous pouvions en retirer, et j’ai découvert que moins nous en avions, plus c’était émouvant.”

Au fur et à mesure que le montage se déroule, Carl et Ellie construisent une vie pleine et heureuse ensemble de manière immédiatement reconnaissable, devenant instantanément l’un des couples les plus emblématiques des films Pixar. Il y a la rénovation de leur première (et pour toujours) maison, qui se transforme d’un misérable cauchemar de réparateur en une structure avec une identité si tangible, c’est presque une chose vivante. Directeur de la photographie Jean-Claude Kalache a expliqué comment ces couleurs vives, en particulier le rose, représentent la présence vibrante d’Ellie. “Tout au long du film”, a-t-il dit, “même quand Ellie n’est pas là, nous avons son esprit.” De plus, presque à chaque instant, la part des deux est inondée de lumière naturelle. La caméra glisse même verticalement et pousse vers le haut pour correspondre au mouvement de propulsion vif qu’Ellie apporte dans la vie de Carl. Selon le directeur de la photographie d’éclairage Patrick Lin“J’utiliserais un mouvement de caméra latéral très doux de suivi et de panoramique juste pour dire en quelque sorte que, OK, ils traversent la vie.”

De plus petits moments comme les pique-niques de printemps et se tenir la main avec désinvolture en lisant vendent l’affection facile du couple. Une fois qu’ils ont décidé d’avoir des enfants (parce que tous les nuages ​​qu’ils ont vus ressemblaient à des bébés !), Carl et Ellie peignent la chambre d’un bébé qui est aussi mélancolique, tachetée de soleil et aimante que tout ce qu’elle a touché. Ensuite, la caméra passe de l’éclat qu’ils ont créé à l’hostilité froide et grise d’un hôpital. Les fausses couches et l’infertilité sont encore rarement abordées dans les médias visuels, sans parler des longs métrages d’animation destinés aux enfants. Mais la meilleure animation, celle qui comprend les hauteurs dont le médium est capable, ne parle jamais aux enfants. Ils les défient sainement, introduisant les complexités de la vie et fournissant un exutoire sûr pour la discussion. Certains dirigeants de Pixar voulaient que la fausse couche d’Ellie soit supprimée, craignant qu’elle ne soit trop sombre, mais Doctor a retenu le détail précisément à cause de sa puissance.

Le couple se rallie et consacre chaque centime de rechange à leurs fonds de voyage. Mais les accidents, les dettes et les factures s’accumulent encore et encore jusqu’à ce que soudainement, après un mini-montage d’Ellie ajustant les liens de Carl pour le travail, ils ont vieilli. La caméra reste aussi immobile et figée que la marche lente et fragile d’Ellie autrefois bruyante. Les derniers instants du couple sont emplis de la même tendresse que d’habitude, et Ellie semble rassurante au lieu de regrettée. Mais une fois qu’elle est passée et que Carl est laissé seul tenant un seul ballon, la couleur s’infiltre dans l’obscurité en noir et blanc. Leurs rêves se perdaient dans le pandémonium incessant de la vie quotidienne. Il est trop tard, et les espoirs de Carl sont aussi vides et anéantis que leur pot « d’argent de voyage ».

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